Η αυλαία έπεσε στο Παρίσι: Τα highlights που σημάδεψαν την Εβδομάδα Μόδας

Η σεζόν αυτή σηματοδότησε μια μεταβατική στιγμή για τη μόδα. Καθ’ όλη τη διάρκεια της Εβδομάδας Μόδας του Παρισιού S/S 2026, 14 δημιουργικοί διευθυντές έκαναν ντεμπούτο σε κορυφαία ονόματα -μια αναταραχή που υπόσχεται να διαμορφώσει το στιλ για τα επόμενα χρόνια.

Στο Παρίσι έγιναν οι μεγαλύτερες αλλαγές: ο Matthieu Blazy παρουσίασε την πρώτη του συλλογή για την Chanel, ο Τζόναθαν Άντερσον επεκτάθηκε στη γυναικεία γραμμή του Dior, οι Μάκκολου και Ερνάντες αποκάλυψαν το όραμά τους για την Loewe, ενώ ο Πιερπάολο Πικιόλι και ο Ντουράν Λαντίν αποκάλυψαν νέες προοπτικές σε Balenciaga και Jean Paul Gaultier.

Οι πιο σημαντικές στιγμές της Εβδομάδας Μόδας του Παρισιού

Ακολουθούν οι ιο αξιόλογες στιγμές της Εβδομάδας Μόδας, από τις εντυπωσιακές παραγωγές των οίκων ως τις πιο τολμηρές προτάσεις του avant‑garde:

Kiko Kostadinov 

Στον φωτεινό χώρο της Galerie, στο πάνω επίπεδο του Palais de Tokyo, οι αδερφές Λόρα και Ντίανα Φάνινγκ παρουσίασαν τη συλλογή τους για την Kiko Kostadinov. Σε αυτό το πλαίσιο, δήλωσαν πως στόχος τους ήταν «να στρέψουμε το βλέμμα προς τα μέσα». Η συλλογή αποτέλεσε μια αναζήτηση υλικών, αναλογιών και κατασκευών -μια σύνθεση ανάμεσα σε quilting, παραδοσιακές ενδυματολογικές αναφορές και στοιχεία εργασιακής ένδυσης. Τις εντυπώσεις έκλεψαν τρισδιάστατα στήθη που περισσότερο θύμιζαν γλυπτά παρά ρούχα. Εμπνευσμένες από το έργο της Christina Ramberg, οι δημιουργοί δήλωσαν πως «παλεύουμε να σχεδιάζουμε τολμηρά, να σκεφτόμαστε δυναμικά και αφαιρετικά» και πως ακόμη και σε αβέβαιες εποχές προσπαθούν «να ανακαλύψουμε μια ελευθερία σώματος και μυαλού».

Chanel

Ύστερα από έντονη προσμονή, ήλθε η στιγμή της εισαγωγής του Matthieu Blazy στο Chanel. Το Grand Palais μεταμορφώθηκε σε ηλιακό σύστημα, με πλανήτες να αιωρούνται πάνω απ’ το runway που θύμιζε το απέραντο σύμπαν. Ο σχεδιαστής αποφάσισε ότι δεν θα έφτιαχνε απλά μια «καθαρή, μοντέρνα» εκδοχή Chanel αλλά μια παράσταση που «να μοιάζει με την τελευταία».

Η σκηνή ξεκίνησε με ανδρικό κοστούμι κι ένα σάλι χαρακτήρα «ξεχασμένου» στο χρόνο, ενώ στη συνέχεια ο Μπλεζ επεξεργάστηκε το tweed με τρόπο που θύμιζε ένδυμα που έχει φθαρεί -«τα κομμάτια να δείχνουν πως έχουν μεταβιβαστεί και χρησιμοποιηθεί». Τα φορέματα άνθιζαν με εφαρμογή λουλουδιών και φτερά, όπως αυτό που φόρεσε η Awar Odhiang, κι έκλεισε την επίδειξη κάνοντας χορευτικά βήματα υπό το «Rhythm is a Dancer». Πίσω από τη σκηνή ο Μπλεζ σχολίασε: «ήθελα απλά να διασκεδάσω -να προτείνουμε κάτι όμορφο και ευχάριστο».

Thom Browne

Την τελευταία μέρα, ο Thom Browne παρουσίασε μια φαντασμαγορική εισβολή εξωγήινων στο κέντρο του Παρισιού. Η έναρξη με φιγούρες σε ασημί στολές που μοίραζαν καρτέλες «We come in peace» προετοίμασε το έδαφος. Ένα μείγμα signature κοστουμιών με στρώσεις, μίνι φούστες και cropped πουλόβερ, συνδυάστηκε με παστέλ, ρίγες, τούλια με παγιέτες και patchwork tweeds. Η επίδειξη απέπνεε μια κοσμική σύγκρουση ανάμεσα σε κλασική αμερικανική αισθητική και φουτουριστική φαντασία.

Miu Miu

Η συλλογή του Miu Miu αντλούσε έμπνευση από τις φωτογραφίες της Helga Paris από εργοστάσια της Ανατολικής Γερμανίας, όπου οι γυναίκες φορούσαν ποδιές. Η Miuccia Prada μίλησε για το «σημείο στήριξης στη ζωή της γυναίκας» και τον μόχθο πίσω από τις καθημερινές επιλογές. Στην επίδειξη οι θεατές κάθισαν σε γραφειακού τύπου τραπέζια, σαν σε καντίνα, ενώ οι εκδοχές της ποδιάς ταξίδεψαν από την utilitarian μορφή στην αισθητική φετίχ, κι έπειτα σε κοσμηματικές παραλλαγές. Όπως είπε η σχεδιάστρια: «η ποδιά είναι το αγαπημένο μου ρούχο -αποτελεί φόρο τιμής σε αυτό που συχνά περνά απαρατήρητο».

Sacai

Η Chitose Abe επέλεξε για το showroom της Sacai έναν φωτεινό χώρο στο 6ο διαμέρισμα της πόλης, όπου καλλιεργήθηκε η ιδέα της «στέγης -του τι σημαίνει να μένεις ή να φεύγεις». Η συλλογή θύμιζε υπερβολικές υβριδικές κατασκευές: παντελόνια που μετατρέπονταν σε φούστες, μπλούζες που ανασχηματίζονταν σε πουκάμισα, hoodies που εξελισσόταν σε φορέματα. Πολύχρωμες εκρήξεις και floral αποχρώσεις αναμείχτηκαν με τα signature στοιχεία του οίκου, αποδεικνύοντας ότι η Abe δεν σκοπεύει να αποχωρήσει από το παιχνίδι μόδας.

Chloé

Η Γκαμπί Αζιόν ίδρυσε τον οίκο Chloé το 1952 ως αντίδοτο στην υπέρμετρη πολυτέλεια της υψηλής ραπτικής, επιδιώκοντας ένα στυλ πιο προσιτό στη γυναίκα της καθημερινότητας. «Ένα στοιχείο ομορφιάς και ποιότητας θα πρέπει να βλέπεται σε γυναίκες στους δρόμους», είχε δηλώσει κάποτε. Στη συλλογή Άνοιξη/Καλοκαίρι 2026, η δημιουργός Chemena Kamali αντλεί απευθείας από τον κόσμο της haute couture, επαναπροσδιορίζοντας την τέχνη της με βάση τους ελεύθερους, φυσικούς κώδικες του οίκου. Όπως τόνισε: «Μου άρεσε η ιδέα να γυρίσω σε ό,τι η Γκαμπί Αζιόν είχε απορρίψει, χωρίς όμως να προδώσω το αρχικό DNA του οίκου».

Η επίδειξη πραγματοποιήθηκε στην έδρα της UNESCO, συμβολίζοντας τον διάλογο και την ελευθερία. Στην αισθητική της συλλογής διακρίνεται η επιστροφή στα πρώτα σχέδια της Αζιόν: φιγούρες που ενσωματώνουν θηλυκότητα αλλά χωρίς φτιασίδια, χωρίς ενίσχυση ή περίτεχνα στολίδια. Κατόρθωσε να μεταμορφώσει απλά υφάσματα, όπως cotton poplin, σε κομψές γραμμές μέσω πλισαρισμάτων, δέσιμων και drapery. Τα φωτεινά άνθη -επιλογή από τα αρχεία του οίκου -έδωσαν ζωηρό πνεύμα και συνέθεσαν μια οπτική όπου η μεγαλοπρέπεια της couture μετασχηματίζεται σε ρούχα που η Αζιόν τα φανταζόταν να φοριούνται στην πραγματική ζωή.

Jean Paul Gaultier

Ο δημιουργικός προσκεκλημένος Duran Lantink έκανε δυναμική είσοδο παρουσιάζοντας την πρώτη του συλλογή για τον Jean Paul Gaultier σε ένα υπόγειο του Musée du Quai Branly. Διατηρώντας την παιχνιδιάρικη λογική του, επέβαλε μια «Duranification» του οίκου -μια υπερβολή στα εμβληματικά στοιχεία: το κωνικό σουτιέν μετετράπη σε μαξιλαρώδη εξόγκωση, το ναυτικό καπέλο εξελίχθηκε σε τελείωμα μπλούζας, ενώ τα trompe l’oeil prints δημιούργησαν την ψευδαίσθηση γυμνού σώματος.

Η έμπνευση άντλησε από τη γραμμή Gaultier «Junior» (1988–1994) και φωτογραφίες από το νυχτερινό κλαμπ RoXY του Άμστερνταμ, σκηνές «ιδρωμένες, αναρχικές, στυλάτες με τον πιο ατημέλητο τρόπο». Η συλλογή μίλησε με τόλμη και προκλητικότητα -αισθητική που ο ίδιος ο Gaultier -θρυλικός δημιουργός σοκ -φάνηκε να εγκρίνει συναισθηματικά

Valentino



Η επίδειξη του Alessandro Michele για τον Valentino είχε πιο λιτή σκηνική προσέγγιση: ένα μαύρο τετράγωνο runway και φωτισμοί που περιστρέφονταν στον ουρανό, συμβολίζοντας σμήνη πυγολαμπίδων. Η έμπνευση προήλθε από ένα γράμμα του Pier Paolo Pasolini του 1941, στο οποίο περιγράφει τη μαγεία των φωτών στο δάσος. Οι πυγολαμπίδες, για τον Michele, έγιναν σύμβολο αντίστασης στο σκοτάδι -και η μόδα μετατράπηκε σε «πολύτιμο σύμμαχο», υπενθυμίζοντας την ομορφιά που αντιστέκεται στη σταθεροποίηση.

Η συλλογή ήταν πιο εξωστρεφής αλλά διατηρούσε το στοιχείο του glamour: φουσκωτά πουκάμισα συνδυάστηκαν με βελούδινες φούστες, σιλουέτες σε έντονες πολύτιμες αποχρώσεις ή διάφανα υφάσματα με κρύσταλλα, και η φιόγκοι επέστρεψαν ως διακοσμητικό στοιχείο. Το φινάλε με το μοντέλα να κοιτάζουν προς τα φωτιστικά στοιχεία δημιούργησε μια κινηματογραφική εικόνα -μια υπενθύμιση της ικανότητας του Michele να διεγείρει συναίσθημα και ενσυναίσθηση μέσα από τις επιδείξεις του.

Akris

Στην εκπροσώπηση των πιο abstract τάσεων, ο Albert Kriemler, στο πλαίσιο της συλλογής Akris, πήρε έμπνευση από τον ζωγράφο Leon Polk Smith και το έργο του «Seven Involvements in One». Χρησιμοποιώντας μια έντονη χρωματική παλέτα και καθαρές φόρμες, παρουσίασε πουκάμισα, φούστες και φορέματα με δομή που προκύπτει από τα ίδια τα υφάσματα -κεντημένα υφάσματα, fringe πλεκτά, sharp cotton ύπαρξαν στοιχεία της γραμμής. Έθεσε ως αρχή ότι «το Akris δεν είναι να δείχνεις minimal - είναι να είσαι ουσιαστικός».

Celine

Ο Michael Rider επέλεξε ως σκηνικό φυτεία στο Parc de Saint‑Cloud, έξω από το Παρίσι, και παρουσίασε μια συλλογή που συνεχίζει τη γραμμή της πρώτης του εμφάνισης στο house. Υιοθετώντας στοιχεία και από τον Hedi Slimane και από την Phoebe Philo, ο Rider έφερε μια προσέγγιση που είναι ταυτόχρονα preppy, σύγχρονη αλλά επίσης διαχρονική. Το αποτέλεσμα ήταν μια πλήρης γκαρνταρόμπα: κοστούμια με έμφαση στους ώμους, trench coats με έντονα σατέν εσωτερικά, φούστες και φορέματα που μεταμορφώνονται, ρούχα που επιδιώκουν να γίνουν «μέρος των αναμνήσεων που φοράμε».

Balenciaga

Η μετάβαση στη νέα εποχή του οίκου Balenciaga σηματοδοτήθηκε από την πρώτη συλλογή του Pierpaolo Piccioli. Ονόμασε την επίδειξη «Heartbeat» και την προετοίμασε με ένα προσκλητήριο-κασέτα που έπαιζε τον καρδιακό ρυθμό. Οι φιγούρες άνοιξαν τη σκηνή με σύγχρονες μεταφορές των ιστορικών couture γραμμών του οίκου -ειδικά της «Sack Dress» του 1957 -και έφεραν τη ρομαντική διάθεση της αισθητικής του Piccioli σε νέο περίβλημα. Οι floral εφαρμογές, οι φτερούγες, τα έντονα χρώματα και τα γυαλιά με έντονα βλέμματα ισορρόπησαν τη νέα κατεύθυνση. Η συλλογή έκλεισε με όρθια χειροκροτήματα -μια πιο «καρδιά» εκδοχή του Balenciaga, γραμμένη με τη μελωδία της αγάπης και της σύνδεσης.

Vivienne Westwood

Ο Andreas Kronthaler παρουσίασε μια συλλογή με τίτλο "Boudoir", αντλώντας έμπνευση από το ομώνυμο άρωμα που είχε δημιουργηθεί το 1998, αλλά και από την έννοια του ιδιωτικού, "μυστικού" χώρου. Στο εσωτερικό του Ikebana Room του L’Institut de France, ο Kronthaler παρέδωσε μια βαθιά αισθησιακή και ρομαντική συλλογή, με αναφορές σε κουρτίνες υπνοδωματίων εποχής και ιταλικά καλοκαίρια.

Υφάσματα σαν να βρέθηκαν ξεχασμένα σε βίλες της Σικελίας – μπροκάρ δαντέλες, κεντήματα και δέρμα που μοιάζει «φορεμένο» – συναντούν τα αναγνωρίσιμα μοτίβα του οίκου. Σιλουέτες με περίπλοκες κουρτίνες, δραματικά κορσάζ και ανορθόδοξες ραφές επιβεβαίωσαν το εκκεντρικό, αλλά βαθιά συναισθηματικό όραμα του Kronthaler. Η μουσική – το τελευταίο μέρος του Jupiter του Mozart – έδωσε ελπίδα σε μια συλλογή που τίμησε τον εσωτερικό κόσμο.

Junya Watanabe

Με soundtrack από τον Brian Eno, ο Junya Watanabe παρουσίασε ένα θέαμα που έμοιαζε περισσότερο με performance παρά με απλή επίδειξη. Τα μοντέλα κρατούσαν καρτέλες που εξηγούσαν τις ιδιότυπες δημιουργίες: ένα φόρεμα φτιαγμένο από κρεμασμένα πουκάμισα, ώμοι από στοίβες ψηλοτάκουνων παπουτσιών, και μαύρα looks που έπαιρναν γεωμετρική μορφή με σύρματα και jersey.

Μεταχειριζόμενος καθημερινά αντικείμενα ως υλικά, ο Watanabe αναδόμησε τον ίδιο τον ορισμό του ενδύματος. Όπως εξήγησε: «Πήρα έτοιμα αντικείμενα και τα μεταμόρφωσα σε φόρμες αδύνατες να επιτευχθούν με συμβατικά μέσα». Η συλλογή υπενθύμισε πως η μόδα μπορεί να γίνει σύγχρονη τέχνη – μια επαναστατική πράξη μέσα από την καθημερινότητα.

Maison Margiela

Ο Glenn Martens τίμησε τη DIY-κληρονομιά του Martin Margiela ανακαλώντας το περίφημο show του 1989 σε παιδική χαρά. Αυτή τη φορά, παιδιά από τη Romilly-sur-Seine έπαιξαν ζωντανά κλασική μουσική ντυμένα με oversized Margiela κοστούμια, επαναφέροντας το αίσθημα της ανεπιτήδευτης αυθεντικότητας.

Η συλλογή ήταν «προτάσεις για την πραγματική ζωή»: κοστούμια με σκισμένα πουκάμισα, φορέματα από αξεσουάρ, και σιλουέτες που έμοιαζαν ραμμένες από σκουπίδια – κορύφωση, μια τουαλέτα «τυλιγμένη» σε κόκκινες πλαστικές σακούλες. Μια τολμηρή, θεατρική και βαθιά Margiela συλλογή που μιλά με τη γλώσσα της επανατοποθέτησης.

Hermès

Η Nadège Vanhée παρουσίασε τη συλλογή "Free Rein", εμπνευσμένη από μια παλιά σέλα της Camargue και το άγριο πνεύμα των ομώνυμων αλόγων της Νότιας Γαλλίας. Σε μια πασαρέλα με άμμο και κοχύλια, σιλουέτες εμπνευσμένες από ιππασία και τοπικές τεχνικές όπως το boutis αποδόθηκαν με τη διακριτική πολυτέλεια του οίκου.

Τα φουλάρια Hermès μεταμορφώθηκαν σε αυτοσχέδια tops, ενώ οι λεπτομέρειες από τιράντες, αγκράφες και ραφές έδωσαν χαρακτήρα σε μια κατά τα άλλα ήρεμη και γήινη παλέτα. Τα αξεσουάρ -ειδικά οι μπότες και τα μικροσκοπικά crescent bags — ήταν λειτουργικά αλλά κομψά.

Alaïa

Ο Pieter Mulier συνέχισε την εξερεύνηση της «στολής» μέσα από τη φιλοσοφία του Alaïa: ρούχα ως μηχανές για να ζεις. Η συλλογή ήταν αυστηρή, γλυπτική και ακριβής -αλλά όχι ψυχρή. Παίζοντας ανάμεσα στη φινέτσα και το ενστικτώδες, χρησιμοποίησε ταπεινά υλικά όπως βαμβάκι και πολυτελή όπως python και μετάξι σε σιλουέτες που αγκαλιάζουν το σώμα.

Τα χειροποίητα macramé, τα πλεκτά πέρλας και τα fringe πρόσθεσαν ποιητικότητα στην «πειθαρχία» των ρούχων. Παρουσιασμένη στη Fondation Cartier, η επίδειξη τόνισε τη ζωντανή παρουσία της γυναίκας μέσα στο ρούχο -όχι ένα αντικείμενο, αλλά ένα σώμα σε κίνηση.

Givenchy



Η Sarah Burton ξεκαθάρισε: η δύναμη στη γυναικεία ένδυση δεν χρειάζεται να περνάει μόνο μέσα από το κοστούμι. Αντί αυτού, προσέγγισε τις «θηλυκές αρχέτυπες» -από ντελικάτα bra tops μέχρι δραματικά διακοσμημένα bodysuits και φουρό-φορέματα γεμάτα ενέργεια.

Η συλλογή είχε μια αίσθηση αυτοσχεδιασμού: ρούχα σαν να ρίχτηκαν πάνω στο σώμα, σαν να έγιναν με το χέρι μπροστά σε έναν καθρέφτη. Το τελικό αποτέλεσμα ήταν ελεύθερο, τολμηρό και γεμάτο συναισθηματική δύναμη -μια σχεδιάστρια απελευθερωμένη και σίγουρη.

Victoria Beckham

Αναπολώντας την εφηβεία της, η Victoria Beckham παρουσίασε μια "coming-of-age" συλλογή μέσα στην εκκλησία Val-de-Grâce. Επηρεασμένη από ταινίες όπως το Romeo + Juliet και The Virgin Suicides, εισήγαγε νεανική ανεμελιά: τούλια, φτερά, μεταξωτά slips και floral φορέματα, πάντα με τη δομημένη κομψότητα που τη χαρακτηρίζει.

Ιδιαίτερη έμφαση δόθηκε στις λεπτομέρειες που μοιάζουν με «λάθη» της νεότητας – όπως τα παντελόνια φορεμένα με τοπ χωμένο κατά λάθος στα καλσόν. Παρά τη θεματική της αθωότητας, η συλλογή ήταν ώριμη, με συναισθηματικό πυρήνα: μια μητέρα που ντύνει με αγάπη την έφηβη κόρη της.

Issey Miyake

Υπό τη διεύθυνση του Satoshi Kondo, ο οίκος συνεχίζει να ερευνά τι σημαίνει να είναι συνειδητά τα ρούχα. Polo και hoodies υψώνονται στο λαιμό, σχηματοποιώντας σκιές γύρω από το στήθος, ενώ παντελόνια και μπλούζες φιλοξενούν διογκωμένες τσέπες — μέσα από τα ημιδιάφανα υφάσματα διακρίνονται αντικείμενα όπως στυλό ή πλαστικά φλυτζάνια. Άλλα κομμάτια μοιάζουν να «αναπτύσσονται» με επιπλέον μανίκια ή φέρουν εκτυπωμένα συνθήματα όπως «I am autonomous» και «I am animated». Η συλλογή διαθλά υφές και μοτίβα -από τροπικά άνθη έως φορέματα στολισμένα με φύλλα υφάσματος -προσδίδοντας αίσθηση κολλάζ. Μέσα σε αυτό το όραμα όμως εντοπίζονται και πιο καθημερινές αναγνώσεις: στριφτά πουκάμισα, layers φορεμάτων με stretch -κομμάτια που μπορούν να γοητεύσουν οποιονδήποτε βρέθηκε στο χώρο της επίδειξης στο Κέντρο Πομπιντού.

Loewe

Στην πρώτη τους επίδειξη για τον Loewe, οι Jack McCollough και Lazaro Hernandez επέλεξαν ως σημείο εκκίνησης ένα έργο του Ellsworth Kelly: «Yellow Panel with Red Curve», το οποίο έδωσε τον τόνο για μια «γλώσσα οπτική» που διατρέχει τη συλλογή τους. Τα βασικά στοιχεία της S/S 2026 περιλάμβαναν γραφικές σιλουέτες και έντονη χρήση χρώματος -mini φορέματα σε μορφή κλεψύδρας από μούλντε δέρμα -αλλά και καθημερινά κομμάτια που επαναπροσδιορίζονται με αισθησιασμό και ένταση. «Στο Yellow Panel with Red Curve υπάρχει μια ζωντάνια και υφή που αισθάνεσαι ως θεμελιώδη για τον οίκο», αναφέρουν οι σχεδιαστές, προσθέτοντας ότι η χρωματική ένταση και η αισθησιακή αύρα είναι «βαθιά συνδεδεμένα με τις ιβηρικές ρίζες του οίκου».

Schiaparelli

Ο Daniel Roseberry, σε αυτή τη διοργάνωση στο Κέντρο Πομπιντού, δείχνει ότι η σύγχρονη prêt‑à‑porter μπορεί να αγγίζει την τέχνη. Η συλλογή συνεχίζει τον διάλογο με την ιδρυτή Elsa Schiaparelli, εξερευνώντας «απροσδόκητες τριβές» μέσα από σακάκια με υπερβολικούς ώμους και φορέματα με υφές που αιχμαλωτίζουν το «hard chic». Ο οργανικός συνδυασμός της διαφάνειας, των φτερών, των μεταλλικών στοιχείων και των χειροποίητων λεπτομερειών δημιουργεί μια σκηνική εμπειρία. Η αίσθηση έκπληξης ενισχύεται με αξεσουάρ εμπνευσμένα από τους ρολόγια‑των Dalí, ενώ η ίδια η επίδειξη προσεγγίζει το μουσειακό στοιχείο: «ήθελα ένα show Schiaparelli να μοιάζει με επίσκεψη σε μουσείο», λέει ο σχεδιαστής, υπογραμμίζοντας την επιθυμία του για θεμελιώδη σύνδεση μόδας και τέχνης.

Rick Owens

Η παρουσία της ρετροσπεκτίβας «Temple of Love» στο Palais Galliera επηρέασε άμεσα τη συλλογή. Η θεατρική παρουσίαση περιλάμβανε μοντέλα που κατέβαιναν από μια εξέδρα σε πισίνα, με τα ρούχα να τιτλοφορούνται «Temple», όπως και η έκθεση. Owens αποδίδει στην παρατήρηση της σταθερότητας και της φθοράς την έμπνευση πίσω από τα κομμάτια. Οργανικά φορέματα με εκτεθειμένες ραφές, γλυπτικές στροφές υφασμάτων και ενισχυμένοι ώμοι «μιλούν» για προστασία. «Steely tenacity», λέει ο ίδιος, προσθέτοντας ότι πρόκειται για «σκληρά ρούχα για δύσκολες εποχές».

Carven

Στην παρθενική του συλλογή για τον οίκο Carven, ο Mark Thomas αναρωτήθηκε: πώς ντύνονται οι γυναίκες του Παρισιού όταν οι πρωινοί δροσιάν εναλλάσσονται με τη ζέστη; Με μια αίσθηση effortless γαλλικής κομψότητας, οι εμφανίσεις περιλάμβαναν layers όπως δαντέλες φορεμάτων πάνω σε basics, αέρινα strapless σύνολα που θυμίζουν λινά σεντόνια και μπουφάν ελαφριά σε συνδυασμό με οργάνζες που αποκαλύπτουν lingerie. Χρώματα εμπνευσμένα από ορχιδέα συνυπάρχουν με καπνιστές αποχρώσεις του γκρι και του μαύρου. Ο Thomas ενσωματώνει επίσης το house στοιχείο «ἐσπεράντο» -μια γραμμή που τονίζει τη μέση — σε sporty κομμάτια κατάλληλα για ρυθμό πόλης. Το αποτέλεσμα είναι μια καθαρή, αισθησιακή πρόταση -μια ωδή στις γυναίκες της πόλης και τη διακριτική τους δύναμη.

Rabanne

Ο Ζυλιέν Ντοσενά πήγε τη φετινή θεματική του escapism ένα βήμα παραπέρα, παρουσιάζοντας μια καλειδοσκοπική συλλογή που πλημμύρισε την πασαρέλα με αποχρώσεις sorbetto, τροπικά μοτίβα και μεταλλικές πινελιές εμπνευσμένες από... συγκρούσεις. Τα «car crash» βολάν από μέταλλο απέτισαν φόρο τιμής στο διαστημικό DNA του ιδρυτή Πάκο Ραμπάν, που κάποτε είχε χαρακτηριστεί από την Κοκό Σανέλ ως «μεταλλουργός».

Η αρχική έμπνευση του Ντοσενά για τη συλλογή ήταν η κατασκευή των μαγιό των '50s -ρούχα που, όπως εξηγεί, ενσάρκωναν έναν αισιόδοξο ρομαντισμό και μια υπόγεια προαίσθηση επερχόμενης αλλαγής. Το πνεύμα αυτό διατρέχει τις δημιουργίες: μπουστιέ και bra-tops με κοψίματα, σακάκια που αφήνουν το στήθος ακάλυπτο, παντελόνια από νεοπρένιο γυρισμένα στη μέση, σαν μετά από μια μέρα σερφ.

Στα αξεσουάρ, οι εκφραστικοί πειραματισμοί συνεχίστηκαν με ψηλοτάκουνα πέδιλα διακοσμημένα με μεταλλικά φύλλα και γυαλιά που παρέπεμπαν σε vintage γυαλάκια θαλάσσης. «Μια λαχτάρα για έναν ορίζοντα ελπίδας, με μια δόση σουρεαλιστικής λάμψης», όπως σημείωσε ο Ντοσενά, που μετουσίωσε τη συλλογή σε έναν φόρο τιμής στην αισιοδοξία -έστω και μέσα από το παράδοξο.

Acne Studios

Στο Collège des Bernardins, ένα γοτθικό μοναστήρι του 13ου αιώνα, ο οίκος Acne Studios παρουσίασε μια συλλογή-σπουδή στις αντιθέσεις. Ο χώρος μεταμορφώθηκε σε σκοτεινό «cigar salon», ενώ τα μοντέλα, επιλεγμένα για την έντονα ανδρόγυνη ενέργειά τους, φορούσαν ρούχα που ένωναν το βραδινό με το καθημερινό.

Καρό φανέλες χωριάτικου τύπου χωρούσαν μέσα σε δαντελένιες slip φούστες, βαμβακερές ποπλίνες έμοιαζαν ξέπλυμες και ατημέλητες, ενώ δαντέλα υψηλής ραπτικής συνενωνόταν με σύγχρονες, εφαρμοστές σιλουέτες. Denim και πλεκτά επαναπροσδιορίστηκαν με νέα υφή και κοπή: τζιν με ίσια γραμμή «1996» καλύφθηκαν με latex και χοντρά πουλόβερ αποκαλύπτουν πουκάμισα μέσα από σχισίματα.

Στο σύνολό της, η συλλογή πρότεινε μια γκαρνταρόμπα όπου η σκληρότητα και η τρυφερότητα συνυπάρχουν. Το καλλιτεχνικό στίγμα της συλλογής ενισχύθηκε από τα έργα του Pacifico Silano, που κρέμονταν στον χώρο και ήταν εμπνευσμένα από vintage γκέι ερωτικά περιοδικά. Η μουσική υπόκρουση ανήκε στην Robyn, η οποία εξέφρασε την ταύτισή της με το brand και τον τρόπο που «αμφισβητεί και τιμά την τυπική εικόνα της γυναικείας ταυτότητας». Με το brand να πλησιάζει την 30ή του επέτειο, η συλλογή λειτούργησε και ως υπόμνηση της δημιουργικής κοινότητας που πάντα το συνόδευε.

Dior

Η πρώτη γυναικεία συλλογή του Τζόναθαν Άντερσον για τον οίκο Dior άνοιξε με ένα φιλμ του Άνταμ Κέρτις: «Do you dare enter the house of Dior?», πριν η οθόνη λευκάνει απότομα, σαν συμβολική κίνηση για νέο ξεκίνημα. Για τον Άντερσον, η πρόκληση ήταν να αγκαλιάσει το παρελθόν του οίκου χωρίς να εγκλωβιστεί σε αυτό: «Δεν θέλω να το σβήσω, αλλά να το φυλάξω, για να επανέρχομαι σε στιγμές και σιλουέτες σαν αναμνήσεις», σημείωσε.

Έτσι, οι αναφορές στα αρχεία έγιναν μέσα από αποσπάσματα και μεταπλάσεις. Το θρυλικό ταγιέρ Bar αποδομήθηκε σε μίνι, το φόρεμα La Cigale του 1952 έδωσε αφορμή για trapeze φορέματα και παλτό με διπλά πέτα. Η συλλογή εναλλάσσεται ανάμεσα σε φαντασία και ρεαλισμό: θεατρικά headpieces, φορέματα που καταλήγουν σε φιόγκους, αλλά και denim, πουκάμισα, jeans, slouchy suede τσάντες και μυτερά pumps.

Ο Άντερσον είχε δηλώσει ότι ήθελε να φέρει «νέες γυναίκες στον οίκο Dior». Αυτό ακριβώς φαίνεται να πέτυχε -ένα σύμπαν που ξαφνιάζει, συγκινεί και φέρνει φρέσκια ενέργεια στον ιστορικό οίκο. Όπως μετέτρεψε τον Loewe σε σημείο παγκόσμιας αναφοράς, τώρα επιθυμεί να κάνει το ίδιο με τον Dior. Και όπως έδειξε η εναρκτήρια ταινία, δεν αρκείται στο να «εισέλθει» στον οίκο -θέλει να τον ανακαινίσει.

Louis Vuitton

Στη σιωπηλή μεγαλοπρέπεια των πρώην θερινών διαμερισμάτων της Άννας της Αυστρίας, ο Νικολά Ζεσκιέρ παρουσίασε μια συλλογή που έστρεφε το βλέμμα προς τα μέσα. «Η απεριόριστη ελευθερία της ιδιωτικής σφαίρας» ήταν η ιδέα που τον ενέπνευσε, μέσα σε έναν χώρο κλειστό για το κοινό λόγω ανακαίνισης έως το 2027.

Ο Γάλλος δημιουργός άντλησε στοιχεία από τον κόσμο του σπιτιού: ρόμπες, νυχτικά, παντόφλες επαναπροσδιορίστηκαν με φαντασία, ενώ οι μακριές κεντημένες δημιουργίες έμοιαζαν με κουρτίνες ή υφάσματα σαλονιού. Γιακάδες βγαλμένοι από βασιλικές γκαρνταρόμπες συνυπήρχαν με 70s λεπτομέρειες όπως shearling, βολάν και τουρμπάνια.

Πιστός στη μαεστρία του να συνδυάζει αναφορές που είναι ταυτόχρονα αναγνωρίσιμες και απροσδιόριστες, ο Ζεσκιέρ μίλησε για «το απόλυτο προνόμιο του να ντύνεσαι για σένα τον ίδιο και να αποκαλύπτεις την προσωπικότητά σου». Μια ακόμα συλλογή που εντάσσεται ιδανικά στο κυρίαρχο φετινό θέμα: η απελευθέρωση μέσα από το ντύσιμο.

Lanvin

Η ανακοίνωση του χρώματος «Lanvin Blue» σηματοδότησε τη νέα εποχή του οίκου υπό τη δημιουργική διεύθυνση του Πίτερ Κόπινγκ. Πρόκειται για μια μοντέρνα απόδοση του μπλε που λάτρευε η ιδρύτρια Ζαν Λανβέν, εμπνευσμένη από τις τοιχογραφίες του Fra Angelico.

Στη δεύτερη συλλογή του για τον οίκο, ο Κόπινγκ επανέφερε την κλασική robe de style με σύγχρονη διάθεση: χαλαρή μέση, φιόγκοι στον λαιμό και ruffled τελειώματα έφεραν το πνεύμα των ’20s στο σήμερα. Φούστες με πανιέ, μεταξωτές μπλούζες, twisted φορέματα και headscarves απέδιδαν έναν εορτασμό της απελευθέρωσης -ακριβώς όπως και το αρ ντεκό πνεύμα που κυριαρχούσε όταν η Λανβέν πρωτοπαρουσίασε τις ιδέες της.

Καθώς πλησιάζουμε τα 100 χρόνια από την ακμή του art deco, ο Κόπινγκ κατάφερε να φέρει τη Ζαν Λανβέν στο προσκήνιο με έναν τρόπο που συνδέει εποχές, αλλά μιλάει ξεκάθαρα στο τώρα.

Courrèges

Ο Νικολά ντι Φελίς μάς ταξίδεψε σε μια ηλιόλουστη φαντασία για το καλοκαίρι που έρχεται. Η πασαρέλα, κυκλική αντί για τετράγωνη, άλλαζε φωτισμό κατά τη διάρκεια της επίδειξης -από ψυχρό φως πρωινού σε ζεστή απόχρωση μεσημεριανού ήλιου, ακολουθώντας την υποτιθέμενη άνοδο της θερμοκρασίας από 21 σε 30 βαθμούς.

Το θέμα της προστασίας διαπερνούσε τη συλλογή: καπέλα που σκίαζαν το πρόσωπο και φορέματα εμπνευσμένα από visor, ενώ ταυτόχρονα εμφανίστηκαν κομμάτια με αποκαλυπτικά cut-outs, μαγιό, bodysuits και μίνι φορέματα. Τα μεταλλικά κοσμήματα, που έμοιαζαν να λιώνουν, παρέπεμπαν στη θερμότητα του καλοκαιριού και τη ρευστότητα της αισθητικής.

Η συλλογή λειτούργησε ως ωδή στον πρωτοποριακό ιδρυτή του οίκου, Αντρέ Κουρέζ. «Ο ρόλος μας είναι να προσφέρουμε μια μοναδική οπτική», είχε δηλώσει ο ντι Φελίς, τιμώντας το πνεύμα ριζοσπαστικής σκέψης του Courrèges.

Dries Van Noten

Ο Τζούλιαν Κλάουσνερ απέδειξε με τη δεύτερη γυναικεία συλλογή του για τον οίκο Dries Van Noten ότι διαθέτει ήδη μια ξεκάθαρη ταυτότητα. Με θητεία στο δημιουργικό τμήμα του brand και μια πολυσυζητημένη ανδρική συλλογή στο ενεργητικό του, ο Βέλγος σχεδιαστής απέδωσε το πνεύμα του Dries με φρεσκάδα και λυρικότητα.

Το χρώμα και το μοτίβο παρέμειναν κεντρικά: λουλούδια, ρίγες και πουά μεγενθύνονταν όσο προχωρούσε το show, καταλήγοντας σε αφαιρετικά γραφικά. Η συλλογή επικοινωνούσε με τον ίδιο αισθησιασμό και ρομαντισμό που χαρακτήρισε τις πιο εμβληματικές στιγμές του Van Noten, διατηρώντας παράλληλα έναν τόνο παιχνιδιού και ανανέωσης.

Stella McCartney

Με φόντο το Centre Pompidou και την Έλεν Μίρεν να διαβάζει τους στίχους του «Come Together», η Στέλλα ΜακΚάρτνεϊ άνοιξε τη συλλογή της με ένα μήνυμα ενότητας. Η επιλογή του τραγουδιού -μια αρχική απόπειρα του Τζον Λένον για πολιτική καμπάνια -υπογράμμισε τον πολιτικό χαρακτήρα της στιγμής.

Η συλλογή ήταν όπως πάντα cruelty-free και τεχνολογικά καινοτόμα: από vegan εναλλακτικές φτερών («Fevvers») μέχρι το Pure.Tech, ένα programmable ύφασμα που απορροφά ρύπους όπως CO₂ και NOx.

Η αντίθεση ήταν κεντρική: αυστηρά κοστούμια με φαρδείς ώμους και carpenter pants, δίπλα σε αέρινα φορέματα, σιφόν και sequins. Όπως είπε η ίδια, στόχος ήταν να συνδυάσει το αρρενωπό με το θηλυκό, το γήινο με το αιθέριο. Η Στέλλα ΜακΚάρτνεϊ παρέμεινε πιστή στο όραμά της, αλλά με φωνή πιο επίκαιρη από ποτέ: «Come together for humanity, animals and Mother Earth».